Muitas obras de arte impressionantes apareceram nas exposições do museu em 2024, independentemente de toda a exposição ser boa ou não. Aqui estão 10 exemplos memoráveis de exposições em sete museus da região.
Muitas obras de arte impressionantes apareceram nas exposições do museu em 2.024. Às vezes, toda a exposição era notável e às vezes nem tanto, mas pinturas, esculturas, instalações e outras obras individuais sensacionais conseguem se destacar na multidão.
Aqui estão 10 exemplos memoráveis de exposições em sete museus no ano passado, listados em ordem cronológica de aberturas de exposições:
Lucas Cranach, o Velho, ‘Adão e Eva’
Lucas Cranach, o Velho, “Adão e Eva”, por volta de 1530, óleo sobre painel.
(Christopher Knight/Los Angeles Times)
Lucas Cranach (Alemanha, 1472-1553) tinha cerca de 50 anos quando pintou este magnífico par de painéis em tamanho real, retratando os infelizes protagonistas bíblicos da queda da humanidade em desgraça. O artista, amigo de Martinho Lutero, tinha considerável experiência de vida. Ela fez de Eva a estrela brilhante: uma beleza elegante, seu corpo bem torneado emoldurado por uma explosão explosiva de cabelos ondulados. O apreensivo Adam a observa com um grau de antecipação perturbadora que o faz coçar a cabeça, uma maçã apertada na mão e cedendo ao fruto proibido que ela segura com confiança. (Sua maçã pergunta: “Isso?” Sua maçã responde: “Isso!”). Os conservadores do Getty Museum passaram dois anos e meio restaurando habilmente a obra-prima de Cranach, um destaque da coleção permanente do Museu Norton Simon em Pasadena.
“Preservando o Éden: ‘Adão e Eva’ de Cranach do Museu Norton Simon”, Museu J. Paul Getty
Judithe Hernández, ‘Santa Desconhecida’
Judithe Hernández, “Santa Desconocida”, 2016, pastel sobre papel.
(Museu de Arte Ribeirinha)
A bela “santa desconhecida” no radiante desenho pastel de Hernandez, uma composição de dois painéis com mais de 2,10 metros de largura, flutua no espaço horizontal, pairando como a Ophelia afogada na famosa obra de 1851 de John Everett Millais. gráfico do contraste suicida de Hamlet. No entanto, em vez de uma sepultura aquosa, ela está à deriva em um misterioso deserto iluminado pela lua, com uma fileira de cactos pontiagudos atrás dela que parecem perfurar seu corpo. Com as mãos levantadas em bênção, esta santa secular é uma mártir: a comovente e até atormentada meditação da artista sobre as centenas de mulheres que trabalham no maquiladoras ao redor da cidade fronteiriça mexicana de Juárez, que foram sequestrados e assassinados, como sugerido pela mão vermelha em fuga na imagem à esquerda.
Sargento Claude Johnson, ‘Chester’
Sargento Claude Johnson, “Chester”, 1931, terracota.
(Don Ross / Espólio do Sargento Claude Johnson)
Não sabemos quem foi Chester. O jovem na escultura de Johnson era possivelmente um símbolo cultural geral, e não um retrato individual. Johnson (1888-1967), filho órfão de pai branco e mãe negra e indígena, mudou-se de Massachusetts para a Califórnia em 1915 e, à medida que sua arte se desenvolveu, foi cativado pela expressão social de identidade de artistas tanto do Harlem como o Renascimento e o movimento muralista mexicano. Chester gentilmente segura seu rosto macio e gentil com sua mão elegantemente refinada, um gesto incomum que expressa silenciosamente o amor próprio. A escultura é um emblema sutilmente poderoso do que veio a ser conhecido como orgulho negro.
“Sargent Claude Johnson”, Biblioteca Huntington, Museu de Arte e Jardim Botânico, San Marino
Ed Ruscha, ‘Estação Padrão, Divisão Ocidental de Ten-Cent ao Meio’
Ed Ruscha, “Standard Station, Ten-Cent Western Being Rasgado ao Meio”, 1964, óleo sobre tela.
(Associados do Museu/LACMA)
Um posto de gasolina genérico, mas monumental, divide a tela de 3 metros de largura em duas em uma diagonal excêntrica, achatando qualquer ilusão de três dimensões. A estação é uma que Ruscha via com frequência em Amarillo, Texas, quando dirigia de Los Angeles para a casa de sua infância em Oklahoma City. No entanto, poderia estar em qualquer lugar, apoiado por um céu azul suave sem qualquer paisagem identificadora. Como produto, local e imagem, é “padrão” em mais de um aspecto. Notavelmente, no canto superior direito, Ruscha acrescentou uma revista barata de caubóis ocidentais, cuja narrativa barulhenta do destino manifesto americano havia sido dividida em duas. Trabalhando em Los Angeles enquanto o cenário artístico de Nova York florescia, Ruscha inseriu sérias dúvidas nas normas culturais prevalecentes.
“Ed Ruscha / Now Then”, Museu de Arte do Condado de Los Angeles
Mickalene Thomas, ‘Deusa Afro Olhando para o Futuro’
Mickalene Thomas, “Afro Goddess Looking Forward”, 2015, strass, acrílico e óleo sobre painel de madeira.
(Mickalene Thomas)
Ao lado de uma cornucópia floral sobre uma mesa, uma mulher moderna e colorida, com um corte de cabelo estiloso e roupas vibrantes que combinam com o fundo estampado voluptuoso da imagem, reclina-se em um sofá, olhando diretamente para o espectador com ar confiante. Esta descrição do luxuoso 1937 de Henri Matisse “odalisca amarela” também se enquadra no esplêndido autorretrato de Thomas. (O Matisse, uma das muitas obras desse tipo, é um tesouro do Museu de Arte da Filadélfia, do outro lado do rio de Camden, Nova Jersey, onde Thomas cresceu.) Como o pintor francês que modernizou a tradição do século XIX de uma mulher subserviente e reclinada. Figura para o assertivo século XX, o artista americano insere traços contemporâneos, incluindo colagens fotográficas e strass, para atualizar e refazer o tema para o século XXI. A diferença mais significativa: em vez de um artista masculino criar uma imagem sensual de feminilidade, um Thomas otimista toma as rédeas para representar a si mesmo.
Olafur Eliasson, ‘Montando o Pluriverso’
Vista da instalação de iluminação de mídia mista de tamanho de sala de 2021 de Olafur Eliasson “Pluriverse Assemblage” na Geffen Contemporary do MOCA.
(Oláfur Eliasson)
É incrível o que você pode conseguir com alguns pedaços de plástico transparente e multicolorido em tons de joias, algumas lâmpadas de alta intensidade, alguns motores e pedaços de metal brilhantes. Nesta enorme peça de projeção, Eliasson desdobra uma fantasmagoria de formas mutáveis e espaço amorfo através de uma vasta tela esticada entre as paredes de uma grande e escura galeria de museu. O resultado é uma “imagem em movimento” abstrata que desliza através de um cosmos visual como uma animação fascinante de uma pintura surrealista. Arshile Gorky qualquer Roberto Matta. Você está convidado a dar uma volta pelos fundos para ver a mágica do front-end sendo feita. Na nossa era de desinformação, desinformação e inteligência artificial, a exposição franca do artista sobre o que funciona por trás da cortina é tónica.
“Olafur Eliasson: OPEN”, Geffen Contemporary no MOCA
Oskar Fischinger, ‘Multiondas’
Oskar Fischinger, “Multiondas”, 1948; óleo sobre tela.
(Museu de Arte de Palm Springs)
Como é a música? Muitos pintores da primeira metade do século XX refletiram sobre a questão da abstração sonora como guia para a criação de uma arte inédita, propondo uma grande variedade de ritmos abstratos de forma e cor. Fischinger estava entre eles, utilizando o cinema e a pintura como meios de comunicação ao longo de sua carreira, que começou na Alemanha e culminou em Hollywood. Uma massa pulsante de cerúleo com bordas brancas está no centro desta pintura compacta, não exatamente quadrada, de 30 por 36 polegadas, apenas quinze centímetros mais larga do que alta. A forma retilínea, estável mas ligeiramente horizontal, sugere a paisagem e ajuda a focar o olhar. As formas onduladas pressionam em direção às bordas e depois se dobram sobre si mesmas, como as ondas do mar ou as pétalas de uma flor. O resultado é uma imagem visualmente sensacional, cuja verve dinâmica parece incorporar a vida das formas naturais.
“Partículas e Ondas”, Museu de Arte de Palm Springs
Camille Claudel, ‘Torso de uma mulher agachada’
Camille Claudel, “Torso de uma mulher agachada”, modelado por volta de 1884-85, fundido em bronze por volta de 1913.
(Museu J. Paul Getty)
Quem sabe o que levou Camille Claudel, de 20 anos, a atacar com uma faca o modelo de argila de sua escultura de um nu sem cabeça, agachado, inclinado para o lado e precariamente equilibrado sobre pés ásperos? O mais dramático foi que ele cortou a perna esquerda entre a coxa e o tornozelo. Claudel passou um tempo considerável no Museu do Louvre, em Paris, onde conheceu bem a sua coleção de esculturas clássicas gregas e romanas, muitas delas quebradas e sem membros. Um famoso mármore antigo de um Vênus agachadoescavado em um assentamento romano perto de Lyon, França, entrou para a coleção do museu com grande alarde apenas alguns anos antes de Claudel executar sua peça. Mas a mulher em sua escultura, feita no início de sua gestão no movimentado estúdio de Auguste Rodin, deixa o classicismo para trás. Numa concepção surpreendentemente moderna, o espaço negativo da amputação abrupta de Claudel expõe (e em itálico) a fisicalidade densa e inescapável do corpo humano.
“Camille Claudel”, Museu J. Paul Getty
Gentile da Fabriano, ‘A estigmatização de São Francisco’
Gentile da Fabriano, “A Estigmatização de São Francisco”, cerca de 1420, têmpera e folha de ouro sobre painel.
(Fundação Magnani-Rocca, Parma)
Originalmente uma bandeira processional dourada desfilada pela cidade em um mastro para feriados específicos, a deslumbrante pintura frente e verso de Gentile da Fabriano mostra a coroação da Virgem Maria de um lado e, do outro, São Francisco recebendo os estigmas. Raios de luz dourada descem de um ser celestial alado para perfurar as mãos, os pés e o lado do humilde santo, ecoando as feridas mortais sofridas durante a crucificação de Cristo. A composição de Gentile compara Francisco, um pioneiro espiritual escolhido, a uma marionete de barbante, cujos movimentos mundanos serão doravante dirigidos de cima. Em algum momento durante os últimos 600 anos, o painel de madeira folheado a ouro foi cortado em dois. Ele coroação A lateral está na coleção do Museu Getty há quase 50 anos. Pela primeira vez, ele conheceu o lado distante de Francisco, agora abrigado num museu em Parma, Itália.
“Lumen: A Arte e Ciência da Luz”, Museu J. Paul Getty
‘Prato com cobra de guerra de Teotihuacan’
“Placa com cobra de guerra de Teotihuacán”, Guatemala ou México (Maya), 650-800.
(Christopher Knight/Los Angeles Times)
Há mais de 1.200 anos, um artista maia não identificado decorou uma extraordinária placa circular de cerâmica de 16 polegadas, pintando metade com uma tira plana, quase preta, e a outra com uma cor esbranquiçada cremosa. A linha nítida entre a luz e as trevas separa estritamente a evocação da noite do dia. Mas em ambas as metades aparece o mesmo perfil de um deus feroz: todos os tentáculos escorregadios, protuberâncias rombas, sugestões de armamento e folhagem entrelaçada rítmica, as cores vermelha e preta da criatura ajustadas para animar o ser temível contra os dois fundos diferentes. nuances. Dia após dia, seja qual for o momento, numa rotação sempre caótica e muitas vezes desesperada da vida mundana, a serpente guerreira está de plantão.
